Del Beat al BOmm

JULIO 24, 2017
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El pasado sábado, 22 de julio, tuvimos nuestro último “BOmm Talk” del año en las instalaciones de la sede Chapinero de la Cámara de Comercio de Bogotá. En esta ocasión la música electrónica se tomó nuestra charla para hablar de las dinámicas de la escena nacional, la relevancia de entender el mercado internacional, la necesidad de mezclar el empirismo con la academia y, por supuesto, la importancia del “networking” dentro de cualquier escena musical.

Del Beat al BOmm”, como titulamos nuestra última charla del año, contó con la participación de grandes actores de la industria de la música electrónica, entre DJ, empresarios, gestores culturales y periodistas musicales, que lograron añadirle a la conversación distintos puntos de vista y, por supuesto, consejos muy valiosos para el público interesado en la industria electrónica.

Para esta ocasión, el BOmm se unió con DNA Music, una importante academia de música electrónica liderada por David Najera, para poder reunir a grandes personalidades de la música electrónica nacional y a sus más importantes actores como: Cheo Cubillos (BAUM Festival), Alejandro Carranza (Storyland), Antonio Alarcón (Red Bull Music Academy), Gonzalo Rodríguez (Radiónica), Juan Pablo López (Thump), Cato Anaya (DJ, productor), Julio Victoria (DJ, productor), Moska (DJ, productor) y Ortzy (DJ, productor).

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Pasadas las 10 de la mañana se dio inicio a la conversación que tuvo un auditorio lleno, donde pudimos observar una gran cantidad de estudiantes de música electrónica, DJ, productores y promotores locales interesados en aprender. Durante las casi dos horas que duró el panel hubo varios temas que lograron explotar toda la experiencia de los panelistas y donde los mensajes clave se fueron repitiendo a medida que avanzó la conversación.

Gracias a que dentro de los panelistas se encontraban promotores y productores de festivales, la pregunta que abrió el panel fue “¿Qué tan complicado es hacer un festival?”. Una pregunta que podría parecer obvia pero que nos adentraría en una cantidad de complicaciones mínimas que vive la escena electrónica. Alejandro Carranza fue el primero en responder: “Hay que entender que hacer un festival es un trabajo en equipo; es una responsabilidad con la gente que compra la boleta. Los empresarios somos catalizadores de una demanda de la misma gente. En la diversidad está la riqueza de esta industria y lo que buscamos en generar un espacio de crecimiento de la escena en el país”. Cheo complementó con lo siguiente: “Lo más difícil es delegar la cantidad de funciones que hay en un festival: seguridad, salud, tarimas, backstage, transporte, artistas; auditoría, derechos, legal, etc. Siempre tratamos de hacer cosas que queremos hacer y que creemos que la gente quiere”.

Dentro de los temas que se iban abriendo paso durante el recorrido del panel, la conversación se fue yendo hacia el lado artístico y todo se dio gracias a la pregunta de Juan Pablo López (Thump): “¿Cómo es el proceso de encontrar las posibilidades para un festival? ¿Cómo es la investigación de mercados y cómo se puede identificar una oportunidad?”.

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La mayoría de panelistas coincidieron que la segmentación, conocer bien los géneros, dónde se oyen y quiénes lo oyen son herramientas importantes a la hora de poder aprovechar una oportunidad de negocio y sobre todo en la música. Además, los festivales no son gigantes de un día a otro. Como todo en la vida, los festivales también requieren de un proceso y de un tiempo para consolidarse, para posicionarse y para quedarse en el imaginario de la gente año tras año. “Hay que hacer las cosas gradualmente, empezando por hacer fiestas de 100 personas, luego de 200; luego tirar a hacer una 400 y 600 y así ir sumando poco a poco. Hay que hacer un recorrido y esa experiencia es buena para la construcción de la escena”, afirma Cheo.

Además del proceso, que debe ser paciente y consciente, también es importante ser organizado y tener claro qué se quiere. “Es importante enterarse de las tendencias locales e internacionales y empezar a hacer un wish list. De ahí se hace una depuración de los artistas que pueden venir y de los que no. Es clave decir que todo comienza por un profundo deseo de sacar el festival o el proyecto adelante. Uno como programador de un festival puede caer en el error del ego y por eso lo más importante es mirar hacia afuera y ver cuál es la tendencia. Es un reto grande superarse año tras año. La innovación es clave”, continuó Alejandro Carranza para ir llevando la conversación hacia el espacio del artista o del DJ.

Antonio Alarcón -Culture Specialist de Red Bull- ha sido periodista musical durante muchos años y ha escrito, entre otros, para la revista Shock. Gracias a su experiencia cubriendo las necesidades de los artistas, sus limitaciones y sus fortalezas, “El Rolo”, como comúnmente se le conoce en la industria hizo dos preguntas vitales para lo que sería el resto del panel: “¿Cómo se prepara para tocar en un festival? y ¿Cómo entender cuál es el lugar -como DJ- que tiene dentro de la escena?” En su gran mayoría los panelistas estuvieron de acuerdo en los comentarios de sus colegas que apuntaban a varias palabras clave: consistencia, estudio, trabajo constante y producción. Sin embargo, hubo otras aproximaciones interesantes: “Es importante tener claro qué se quiere. Si quieres quedarte tocando acá, sigue tocando en bares; si quieres ser internacional, métete a un estudio y produce. Hay que saber hacer música y todo lo que aprendí fue empíricamente. Nunca hice cosas por dinero ni fama y más bien, siempre lo he hecho por pasión”, afirma Moska, quien le dio una importancia enorme a la diferencia entre un DJ y un productor: “Lo más importante es ser productor. Si tienen buena música créanme que es un plus; la música es la mejor carta de presentación. Hay que construir un nombre en un cartel; empezar siendo el nombre más pequeño y con el tiempo, con trabajo y dedicación, hacer que el nombre sea cada vez más grande”.

Cato Anaya, DJ y productor, comentó lo siguiente al respecto: “Siento que hay pasos importantes que hay que dar para trascender. Creo que el artista vale el número de gente que logre convocar. Eso es clave para un festival. Empiecen a hacer su propio movimiento. Es importante que el artista entienda cuál es su público y dónde está ese público. Hay que saber qué puertas tocar dependiendo de la música que haces, hay que ser selectivo”.

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Sin embargo, uno de los puntos más interesantes para los jóvenes DJ y productores en la audiencia fue el de Alejandro Carranza: “Ser DJ es una responsabilidad grande. Si lo está haciendo por la rumba por ahí no es. Si quiere que lo tengan en cuenta vaya y apoye los festivales. Ahora todo el mundo quiere ser DJ y, ojalá, si usted quiere serlo, que sea de forma profesional. Pregúntese: ¿Qué le aporta usted a la escena? ¿Por qué usted es diferente y por qué tengo que contratarlo a usted? Para uno es importante contratar DJ que sean profesionales y que se sepan comportar. Nuestra responsabilidad es trabajar mientras los demás rumbean”.

Luego de que la mayoría de los panelistas coincidieran con la importancia de la identidad, de que el artista sepa bien qué quiere y cómo quiere sonar, llegó el momento de hablar de la importancia de la academia y en ese momento David Najera, director de DNA Music, dijo: “Decir que sólo la academia es el camino al éxito sería pretensioso porque hay empíricos que han logrado enormes cosas. Creo que los dos caminos son válidos, pero sí creo que la academia puede ayudar a acortar ese camino. Lo que hacemos como academia es recopilar la información más importante y ponerla a su disposición y ya depende del estudiante. Depende del artista y de lo que quiere hacer. Hay muchos que quieren ser fiesta y están estudiando, pero capan clases, talleres y prácticas. Hay otros que quieren ser profesionales y su comportamiento es otro”.

A esto, Moska añadió que el autodescubrimiento y el inglés también son importantes: “En internet está todo. Aprendan, hay tutoriales y ahí pueden aprender mucho. El inglés es vital. Aprendan inglés. En YouTube hay miles de cursos o tutoriales”.

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Otro de los componentes interesantes de este panel, y del BOmm en general, es la participación de Red Bull con su Red Bull Music Academy.

“La academia es una de las plataformas más consentidas y privilegiadas a nivel internacional. Está buscando creación e innovación artística mediante el networking y conocer culturas aparte de la propia. Se abre una convocatoria para todo el planeta donde aplican más de 8 mil personas y se escogen 60. Son 60 personas de distintas partes del mundo aprendiendo uno del otro. Toda la información está en la página de Red Bull Colombia”.

Seguramente la industria de la música electrónica en Colombia está creciendo, pero dentro del componente humano debe haber una profesionalización del oficio y esa fue una de las invitaciones constantes de los panelistas.

Más imágenes del Beat al BOmm aquí.  

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